/ VR215 / Trilogía ibérica

Uno de nuestros cineastas más nuestros, más españoles (quitándole todo lo rancio que suele conllevar las palabras nuestro y español) fue o es el cineasta Bigas Luna. Su magnífica carrera tiene varios puntos álgidos (Angustia o Bilbao, por decir unos ejemplos), pero sin duda su gran pico fue la conocida como trilogía ibérica. Tres películas que el director rodó a principios de los noventa y que conforman los largometrajes Jamón, Jamón (1992), Huevos de oro (1993) y La teta y la luna (1994). Las tres recorren un espíritu ibérico, pero sobre todo un espíritu mediterráneo. 

Unas películas con pasión, sexo, comida, escatología, mar, hombres machos que no son tan machos, mujeres carnales, ambición, fracaso, muerte, amor y esa melancolía y tristeza que tienen todas las historias y personajes mediterráneos. La excelente trilogía ibérica no solo ha quedado como unas películas generacionales que vieron crecer como actores a unos jóvenes Javier Bardem, Penélope Cruz, Jordi Mollà, Biel Durán o el músico Miguel Poveda. La trilogía ibérica ha quedado como una piedra rosetta para entender un territorio o una forma de vivir única, pasional, especial y a veces poco racional. El programa 215 de VR, que cuenta como invitado con Pepe Aracil, trata sobre Jamón, Jamón, Huevos de oro y La teta y la luna, la trilogía ibérica de Bigas Luna. 

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/ VR213 / Pablo Carbonell, director: Atún y chocolate

Si viviste los ochenta con cierta intensidad o interés es casi imposible que la figura de Pablo Carbonell te fuera ajena. Él fue uno más los muchas protagonistas de esa década tan mitificada como importante para la historia de la España moderna. Actor, humorista, clown, músico, libertario... Ya fuera en dúo con su amigo Pedro Reyes, como líder del grupo Los Toreros muertos o, ya en los noventa, como reportero del programa televisivo Caiga quien Caiga. En esa época Carbonell retomaría su carrera como actor cinematográfico e iniciaría una breve pero brillante carrera como director. Porque en 2004 rodó su, hasta ahora, única película: Atún y chocolate. Y saltó una relativa sorpresa. Porque Carbonell se alejó de ese Madrid urbano en que tanto le reconocemos y volvió a sus orígenes, a ese territorio gaditano que le vio nacer. Se rodeo de interpretes solventes como María Barranco y Antonio Dechent, le dio un papel robasescenas a Pedro Reyes y se reservó el protagonista recuperando el acento andaluz que Madrid le obligó a suprimir. Atún y chocolate es un de esas comedias marítimas y costumbristas que el cine europeo nos ha reglado muchas veces. En su pícara sencillez reside la grandeza de uno de los mejores y mas reivindicables debuts que se vieron en el cine español de inicio de siglo que ya ha cumplido los veinte años de vida. Este programa de VR, que cuenta con la participación como invitado de Pepe Aracil, habla sobre Atún y chocolate y sobre la figura del inclasificable Pablo Carbonell, moderno como el Madrid de los años ochenta y libre como su Cádiz natal.

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/ VR212 / Flesh for Frankenstein / Blood for Dracula

Con la desaparición de Udo Kier no solo se iba un actor extraordinario, una presencia hipnótica, extraña y misteriosa, también se iba una larga filmografía que representa ese cine diverso y extrañante, ese cine que amamos. Aunque Kier casi siempre actuó en papeles secundarios, de lujo eso sí, sus inicios se marcarían con dos protagonistas, y además dos personajes míticos y universales, el científico Frankenstein y el conde Drácula en esa irrepetible suerte de díptico que es: Flesh for Frankenstein y Blood for Dracula. Todo a las ordenes de Paul Morrissey, mítico colaborador de Andy Warhol que puso su nombre a las dos películas. 

Películas rodadas en Italia e irremediablemente europeas en su fondo y forma. Flesh for Frankenstein y Blood for Dracula son un festival de sexo, decadencia, sangre y carne, pero también de choque de culturas en Europa y Estados Unidos. Este programa de VR, en la apertura de su 19ª temporada y que cuenta con la presencia de un clásico como Pepe Aracil, trata sobre Flesh for Frankenstein y Blood for Dracula, pero también sobre Udo Kier, Paul Morrissey, Joe Dallesandro o Andy Warhol, y también sobre esa decadente, perversa y sensual Europa a la que queremos, pertenecemos y que tan bien refleja estas dos películas. 

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/ VR207 / Despedida a Mariano Ozores: Las dos y media... y veneno / Pelotazo nacional

Durante cuatro décadas Mariano Ozores tuvo un compromiso inquebrantable con dos cosas: la comedia popular y y el público. Ambas cosas fueron sus principales ocupaciones y preocupaciones. Por eso, gracias a una extensísima e irregular filmografía llena de momentos de gran sabiduría cómica junto con otros mucho más discutibles, Mariano Ozores es una pieza indiscutible dentro de la historia del cine español. 

Como despedida a Mariano Ozores, tras su reciente fallecimiento, este programa de VR, que cuenta como invitado con Pepe Aracil, se fija en el principio y final cinematográfico de Ozores, su primer largometraje Las dos y media... y veneno, de 1959, y su último Pelotazo nacional, de 1993. Una forma de despedida para un director que siempre estuvo ahí para su principal obsesión como director, el público.

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Programas VR Mariano Ozores

► / VR17 / Mariano Ozores

► / VR195 / 40 grados a la sombra: Mariano Ozores y el (nuestro) verano español

Programas VR  con menciones a Mariano Ozores

► / VR152 / Libros sobre cine: Usos, filias, recomendaciones...

► / VR176 / Pedro Lazaga

/ VR206 / La Cuadrilla

En el programa 203 de VR se habló del cine español de los noventa y de cómo una serie de cineastas renovaron el panorama nacional, muchos de ellos sin olvidar sus raíces. Un claro ejemplo de esto fue La Cuadrilla. Primero como trío, con Santiago Aguilar, Luis Guridi y Raúl Barbé, rodando cortos de Super 8 y 35 mm., y luego como dúo, con Aguilar y Guridi rodando tres largometrajes en la década de los noventa. Tres películas que tienen esa mezcla de renovación y respeto a las formas clásicas del cine y la comedia clásica española. 

La Cuadrilla rodó en los noventa la trilogía de España por la puerta de atrás, donde supuestamente se hablaban de tres temas tan españoles como los toros, la política y el fútbol: Justino, un asesino de la tercera edad, Matías, juez de línea y Atilano, presidente. Tres películas con una marca muy personal, sentido del humor, mezcla de renovación y clasicismo y un grupo legendario de actores que eran de lo mejor del panorama actoral español de la época. Hoy en VR recordamos, reivindicamos y admiramos a La Cuadrilla. 

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► Programas relacionados: / VR203 / Memorias del cine español de los noventa

/ VR203 / Memorias del cine español de los noventa

La década de los noventa en España fue una época especial (quizás como todas las décadas). Viniendo de los siempre absurdamente magnificados años ochenta, los noventa vivieron el subidón nacional de los Juegos Olímpicos de Barcelona o la Expo de Sevilla, la factura en modo de crisis que pagamos después y un más que supuesto renacimiento final.

Pero España, a partir especialmente de mitad de los noventa, vivió una especie de resurgir en su cine nacional, con una comunión entre público, críticos y cineastas poco vista. Esta corriente, que algunos ponen como un hito importante en la historia del cine español y otros como algo más exagerado que otra cosa, sucedió por muchos factores. Uno de ellos fue la unión de unos cineastas con una trayectoria, a los que se podría llamar veteranos, y una nueva corriente de cineastas que hacían unas películas algo distintas a lo habitual pero profundamente españolas. Los Fernando Trueba, Pedro Almodóvar, José Luis Cuerda, Vicente Aranda, Pilar Miró, José Luis Garci o Gonzalo Suárez se juntaron con recién llegados como Álex de la Iglesia, Julio Medem, Icíar Bollaín, Mariano Barroso, Fernando León, Alejandro Amenábar, La Cuadrilla, entre otros muchos.

Lo que ocurrió en el cine español de los noventa se puede hablar desde términos de industria, económicos, sociales... Hablar de subvenciones, productores más o menos maléficos, politiqueos varios, productoras... Este programa de VR no va de eso. En este espacio el que escribe estas lineas, el creador y conductor del programa Raúl Cornejo, y su invitado, Pepe Aracil, vamos a enfocar este espacio de una forma donde juegan la memoria, lo sentimental, el aprendizaje y lo emocional. Un programa de nombres y sensaciones, desordenado, apasionado y algo caótico, como suelen ser los aprendizajes emocionales de la entrada en la edad adulta. Es este programa de VR, memorias del cine español de los noventa.

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Presentación del libro 'La feria de las sombras' (29 de octubre, Alicante)

El próximo martes 29 de octubre a las siete de la tarde, en la librería alicantina 80 mundos, se presentará el libro La feria de las sombras: Fantasmagorías, fenómenos y circos en el cine de terror, que ha sido el libro oficial de la última y recientemente finalizada edición del festival de Sitges. Libro colectivo sobre el mundo de las ferias y el circo en el cine que está coordinado por Jordi Sánchez-Navarro y Ángel Sala y que cuenta con textos de, además de los propios Sánchez-Navarro y Sala, Xavi Sánchez Pons, Jorge Loser o Pepe Aracil Sáez, invitado habitual y amigo de VR desde hace varios años y autor del estupendo libro sobre magia Abracadabra. Magia e ilusionismo en 50 películas. El martes estaremos hablando del libro y del fascinante mundo de la feria cinematográfica Pepe Aracil, Fran Ortiz y un servidor.

/ VR196 / Vainica Doble

Palabra de Jaime de Armiñán: "Vainica Doble es algo así como un lujo que no nos merecemos, como tampoco nos merecimos a Quevedo o al Arcipreste de Hita"*. Música atemporal, producto casi se podría decir de la alquimia o la brujería. Gloria Van Aerssen y Carmen Santonja, Carmen Santonja y Gloria Van Aerssen: Vainica Doble. Y cinematográficas, por supuesto. Por familiaridad (la vía Jaime de Armiñán) y por su trabajo en bandas sonoras para cine y televisión (Furtivos, Fábulas...), pero también porque sus canciones, o casi las sensaciones que desprenden, son de cortometrajes sonoros con ambientes casi cercanos a la fantasía. Porque ellas fueron de cine el programa 196 de VR, con la presencia de Pepe Aracil, está dedicado a Vainica Doble.

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* Cita extraída del libro de Fernando Márquez sobre Vainica Doble

/ VR195 / 40 grados a la sombra: Mariano Ozores y el (nuestro) verano español

Del pleno verano de 2024 vamos a pasar al pleno verano de 1967. En la época del desarrollismo, cuando la dictadura franquista pasó de la autarquía inicial a una cierta apertura y desarrollo económico, con sectores como el turismo como un ara muy significativa. Esto permitió que algunos españoles mejoraran, o por lo menos tuvieran esa sensación, su vida desde un punto de vista social y económico. 

Y por eso cuando llegaban las temidas o deseadas vacaciones de verano muchos de estos españoles, de una cierta clase media, aspiraban a disfrutarlas viajando a lugares más cálidos o veraniegos. Zonas con playa, el Mediterráneo, con Benidorm como objetivo de deseo, una semanas en un chalet en la sierra... Una sensación de que con disfrutar de un verano como España manda uno estaba progresando. 

40 grados a la sombra es una comedia de Mariano Ozores. Una película con una estructura de episodios que luego otros directores y el propio Ozores repetirían para intentar mostrar con varios personajes e historias la vida del español corriente. Tres historias protagonizadas por tres matrimonios madrileños que sirven para que este programa de VR hable, ademas de la película en cuestión, del verano, el que fue y el que es. De las distintas maneras de vivir, sufrir y muy pocas veces disfrutar del turismo. Para quienes lo practican y para quienes lo sufrimos y recibimos. Y, como no, para hablar de un director capital para la historia del cine español: Mariano Ozores. 

Con la presencia como invitado de Pepe Aracil, un programa nocturno y veraniego donde la estación de los sueños y pesadillas que es el verano es protagonista.

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► Programas relacionados: / VR112 / Pauline en la playa: Verano, playa y algo parecido al amor

/ VR188 / Paul Verhoeven

El cineasta Paul Verhoeven es uno de los pocos directores que han logrado ser un género en sí mismo: el género Verhoeven. Un superviviente que ha logrado meterse en cientos de charcos y problemas sin nunca dejar de ser él mismo. Algunas palabras relacionadas con este holandés que se ha convertido en uno de los grandes cineastas europeos de la historia podrían ser: valentía, exceso controlado, amoralidad, antiheroísmo sátira, humor negro, violencia, sexo y mujeres. Las mujeres de Verhoeven, siempre independientes, luchadoras, fuertes... Todo esto en una carrera que le llevó por Europa y Estados Unidos sin dejar de poner su sello, aunque fueran, en principio, películas ajenas a él. Verhoeven siempre es Verhoeven. El programa 188 de VR, que cuenta con la presencia de Pepe Aracil y Álvaro García, está dedicado a la figura de un gigante como es Paul Verhoeven.

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/ VR185 / Chumy Chúmez

José María González Castrillo, o mejor dicho Chumy Chúmez, sin duda una de las leyendas del humor en España, muy especialmente del humor gráfico. Pero también un excelente escritor, novelista y cineasta. Guionista para Antonio Drove, Eugenio Martín, Fernando Fernán Gómez o Ramón Masats, y también director. Chumy Chúmez dirigió dos películas de culto españolas de finales de los 70: Dios bendiga cada rincón de esta casa y ¿Pero no vas a cambiar nunca, Margarita?. Largometrajes donde aparecen constantes del universo Chumy Chúmez: sexo, muerte y humor, especialmente negro. 

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/ VR166 / John Waters

John Waters es uno de los directores norteamericanos más queridos de los últimos a pesar, o quizá por, de su gusto por lo trash y lo extremo. Nacido en Lutherville, un suburbio de Baltimore, lugar al que siempre sería fiel tanto en su cine como en su vida personal, Waters ha sido querido porque además de su gusto por el mal-buen gusto su cine ha hablado de racismo, lucha de clases, crítica a los medios de comunicación... 

Comenzó su carrera con películas de producción tremendamente modesta rodadas con su grupo de amigos que no abandonaría como no lo haría a la ciudad de Baltimore como el lugar donde se desarrollarían sus historias. Este grupo, llamado los dreamlanders, lo integrarían personas fundamentales en su cine como Mary Vivian Pierce, Edith Massey, David Lochary, Mink Stole y, sobre todo, Harris Glenn Mistead, o mejor dicho Divine; no solo la musa de Waters, sino un pilar tan importante que sin ella no se entendería todo su cine. A pesar de la coherencia de toda su filmografía, la misma se dividiría en dos partes: una primera y absolutamente trash y destroyer — con sus cortos y películas como Mondo Trasho, Desperate Living o, la piedra angular de su cine, Pink Flamingos — y una segunda, tras la película puente que fue Polyester, donde Waters seguiría siendo Waters, pero su mundo se abriría a un público más amplio — con películas como Hairspray, Cry-Baby o Los asesinatos de mamá —.

John Waters se ha incrustado tanto en la cultura popular que ha pasado a ser un casi un miembro más de la familia. En parte porque el cine solo ha sido una faceta más de su carrera siendo, además de cineasta, escritor, fotógrafo, coleccionista de arte, actor ocasional, monologuista...

El programa 166 de Vivir Rodando, con la presencia de Pepe Aracil y Nico Antón, además de repasar su filmografía, habla sobre la huella que ha dejado y deja la figura de John Waters.

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/ VR159 / Cine de culto: Una etiqueta ambigua e indescifrable

El lenguaje suele abusar de ciertas calificaciones o etiquetas para definir algunas cosas. El arte y, por supuesto, el cine, es una de las principales victimas de esta corriente. Seguramente todos, seamos aficionados o profesionales, en algún momento de nuestra vida hemos calificado a una película como de culto. Y puede que lo hayamos hecho de forma automática y sin reflexionar mucho sobre el término porque seguramente hayamos emitido en ese calificativo o películas pequeñas, grandes, que fueron un fracaso o un gran éxito en su momento, de cualquier género y nacionalidad.

La cuestión es, ¿exactamente qué es una película de culto? La respuesta es difícil y ambigua, básicamente porque nadie lo sabe... o todo el mundo cree que lo sabe. Generalmente muchos adjudican el término culto a una película que no ha tenido mucha repercusión en su día y ha sido reivindicada con el paso de los años. En este saco podrían caer películas muy, muy pequeñas como Carnival of Souls o Detour, por ejemplo. Pero también podríamos añadir largometrajes grandes que han sido fracasos por el mal recibimiento que han tenido por parte de la crítica y el público. Pero, ¿en qué momento estas películas se convierten en obras de culto? ¿Cuánta gente es necesaria para elevar una película a esa categoría? ¿Cuánta minoría es una minoría?

Por otro lado, una película de culto no tiene que ser un fracaso. El culto, según la RAE, puede ser la admiración afectuosa de que son objeto algunas cosas. El culto puede ser el estudio detallado, pormenorizado e incluso obsesivo de una sentido, y tiene todo el sentido que sea de una obra con un gran éxito popular como, por ejemplo, Star Wars, El padrino o Pulp Fiction. Una serie de trabajos que fueron un gran éxito desde el minuto uno y que siguen siendo objeto de estudio y obsesión.

También hay cineastas cuya obra entera puede ser considerada de culto, ya sea por su rareza, coherencia o cualquier otro motivo. Un aficionado puede considerar que Takashi Miike, Javier Aguirre, Jim Jarmusch, Hal Hartley, Dario Argento, Mario Bava, Gonzalo García Pelayo o Juan Cavestany, entre otros muchos, pueden ser directores de culto. O alguien puede escoger una parte de una filmografía de un cineasta: la parte final de la Coppola, los pastiches de Hitchcock de De Palma, Showgirls y Starship Troopers de Verhoeven... También podríamos pensar en la única película de Charles Laughton, las dos de Santiago Lorenzo o las primeras de Gonzalo Suárez.  ¿Por qué no hablar de un actor también? ¿Acaso una buena parte de la filmografía de Adam Sandler o Jean-Claude Van Damme no es culto? ¿O intérpretes como Luis Ciges o Crispin Glover no son de culto? Por no hablar de filmografías africanas o asiáticas, tantas veces poco observadas por la mirada occidental.

Aquí hablamos de una mirada subjetiva, porque el culto, lo que uno admira, a lo que uno le fascina o en lo que uno cree, es cosa de cada uno. Hoy, en el último programa del año de Vivir Rodando y con la presencia de Javier García-Herrero y Pepe Aracil, discutimos para no llegar a ningún lado sobre la etiqueta cine de culto.

Dar las gracias a los veinte invitados que han pasado por el decimoquinto año de emisión de Vivir Rodando: Óscar Aibar (VR150), Javier Díez Ena (VR144), Ángeles Gómez (VR143 / VR158), José Luis Salvador Estébenez (VR154), Pepe Aracil (VR146 / VR149 / VR152 / VR157 / VR159), Leonor Díaz (VR143), Mar Valldeoriola (VR148), Javier García-Herrero (VR146 / VR149 / VR159), Sento Oncina (VR153), Èrika Sánchez (VR148), Fran Ortiz (VR152), José Cámara (VR143 / VR147 / VR158), Santiago Fillol (VR145), Jordi Costa (VR142), Nacho Gonzalo (VR155), Ane Ferreiro (VR151), David Romera (VR141), Chema García Ibarra (VR143), Meritxell Colell Aparicio (VR156) y Merche Montero (VR147).

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/ VR152 / Libros sobre cine: Usos, filias, recomendaciones...

Aunque el cine es un arte meramente audiovisual, la palabra escrita, en forma de libros, es imprescindible para poder enterderlo completamente. El programa de Vivir Rodando, con la presencia como invitados de Fran Ortiz y Pepe Aracil aborda los libros sobre cine: su necesidad, o importancia, los usos y costumbres al leerlos, las manías, la experiencia al escribir uno, las filias (y alguna fobia) y, por supuesto, una serie de recomendaciones. Entre los libros recomendados, o mencionados, en este primer (y esperemos que no último) programa están: Imágenes (Ingmar Bergman), Suspiria. Las ministras del mal (Pilar Pedraza), La Codorniz. De la revista a la pantalla (Felipe Cabrerizo y Santiago Aguilar), El cine según Hitchcock (François Truffaut), Goremania (Jesús Palacios), Reina del grito: Un viaje por los miedos femeninos (Desirée de Fez), Hitchcock (Patrick McGilligan), Latir de cine (José Luis Garci), El cine o el hombre imaginario (Edgar Morin)... entre otros muchos.

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/ VR149 / Werner Herzog / Klaus Kinski

La historia cuenta que un joven Werner Herzog de apenas 13 años fue a vivir con su familia a una pensión de Munich. Allí coincidiria con un joven, aunque más mayor, actor llamado Klaus Kinski. Aunque no repararía apenas en el futuro director, Kinski ya dio muestras de su carácter volcánico y colérico. Este fue el primer encuentro de una de la que a la postre sería una de las colaboraciones más fructiferas de la historia del cine europeo, la que uniría al director alemán Werner Herzog y al actor Klaus Kinski durante la década de los 70 y 80 en cinco largometrajes: Aguirre, la cólera de Dios (1972), Nosferatu, vampiro de la noche (1979), Woyzcek (1979), Fitzcarraldo (1982) y Cobra Verde (1986). 

 

Aunque ya tenían unas carreras antes de conocerse, los dos  se ayudaron mutuamente: Herzog tuvo el rostro perfecto para sus héroes casi trágicos, y Kinski unos retos interpretativos que a veces le pudieron faltar en su maratoniana carrera. Dos carácteres intensos, con grandes dosis de brutalidad en el caso de Klaus Kinski, que chocaron en una relación tóxica con grandes dosis de odio e incomprensión, pero también de respeto por el talento de cada uno e incluso de cariño. Así lo demuestra Mi enemigo íntimo, documental del propio Herzog sobre la relación que tuvo con Kinski. Aunque sus carreras tuvieron, en especial la de Herzog, grandes destellos, quizá fue Herzog con Kinski, o Kinski con Herzog, cuando sus carreras encontraron su punto más álgido. 

Hoy Vivir Rodando, con la presencia de Pepe Aracil y Javier García-Herrero, ahonda en las figuras y el trabajo conjunto de dos personalidades en constante erupción: Werner Herzog y Klaus Kinski. 

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/ VR133 / Fernando Fernán Gómez, director

La casualidad ha dejado que en 2021 se cumplan los centenarios de, quizás, las dos personas más importantes de la historia del cine español: Fernando Fernán Gómez y Luis García Berlanga. En el caso del primero la celebración es tan merecida como compleja por el tamaño y la importancia del trabajo que realizo durante más de cincuenta años. Actor, director, guionista, escritor, dramaturgo, columnista... dejando en todas sus ocupaciones una importante huella.

El programa 134 de Vivir Rodando está dedicado a Fernando Fernán Gómez, aunque centrado principalmente en su carrera como director. Responsable de 26 largometrajes, además de mediometraje (Juan Soldado) o series (El pícaro), su filmografía ha estado generalmente tachada de algo irregular: obras maestras indiscutibles como El mundo sigue o El extraño viaje con películas de aparentemente menos importancia. En realidad su carrera como director no solo es muy sólida sino que con el tiempo ha ido ganando un valor extraordinario destacando joyas como La vida por delante o La vida alrededor, películas que ya se pueden considerar de culto como ¡Bruja, más que bruja! o Siete mil días juntos, o éxitos populares como El viaje a ninguna parte. El programa 134 de Vivir Rodando, y con la ayuda de Pepe Aracil, navega por la faceta como director de este hombre del Renacimiento que fue Fernando Fernán Gómez.

 

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/ VR129 / España, Italia y lo grotesco

Hace un par de programas en Vivir Rodando nos sumergimos en el cine español más clásico con el libro La Codorniz. De la revista a a la pantalla (y viceversa), sobre la relación entre la revista La Codorniz y el cine español, escrito por Santiago Aguilar y Felipe Cabrerizo. En este nuevo programa de Vivir Rodando volvemos al cine español de los años 50 con el libro Luces de varietés. Lo grotesco en la España de Fellini y la Italia de Valle-Inclán (o al revés), escrito por Manuela Partearroyo y publicado por la editorial segoviana La Uña Rota.

En él, Partearroyo habla sobre la relación cinematográfica, cultura y vital que ha habido entre España e Italia, con conexiones que llegan Federico Fellini, Luis García Berlanga, Marco Ferreri, Rafael Azcona o el mismo Valle-Inclán, además de ahondar en ese género o estilo conocido como grotesco. El programa 130 de Vivir Rodando, que ahondará en la relación entre estos dos paises tan similares, cuenta con la participación de Manuela Partearroyo, autora del libro, y Pepe Aracil.

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/ VR128 / Magia e ilusionismo

Hablar de magia y cine es hablar de sinónimos. Básicamente porque el cine no deja de ser el mayor truco de magia que jamás se haya hecho. Para hablar de estos dos campos vamos a fijarnos en un nuevo libro, de los muchos que hay, que analiza la relación entre estos dos artes. Abracadabra: Magia e ilusionismo en 50 películas es un nuevo volumen de la ya clásica colección Filmografías Esenciales, que ya ha aparecido varias veces en Vivir Rodando. Hoy en el programa 128 de Vivir Rodando hablamos sobre cine y magia con Pepe Aracil Sáez, habitual colaborador del podcast y autor del libro. Un libro tremendamente didáctico y entretenido por donde pasan magos y cineastas tan diversos como David Copperfield, Clive Barker, Orson Welles, Harry Houdini, Tod Browning, Cantinflas, Ricky Jay o Woody Allen, entre otros muchos.

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/ VR127 / La Codorniz

Durante más de treinta años, de la posguerra a la Transición, la revista humorística La Codorniz ejerció un humor único, convirtiéndose en una referencia para nuevos humoristas que surgían en España. En ella trabajaron nombres tan imprescindibles como Miguel Mihura, Tono, Chumy Chumez, Conchita Montes o Manuel Summers, entre otros muchos. Una serie de personas que tuvieron, de maneras más o menos directa, una relación con el cine. 

El libro La Codorniz (De la revista a la pantalla y viceversa), grandísimo trabajo de Santiago Aguilar y Felipe Cabrerizo, además de hablar sobre estas relaciones, trata sobre cómo el llamado codornicismo logró meterse en varias producciones cinematográficas españolas. Teniendo como base el libro de Aguilar y Cabrerizo, y con la participación del siempre imprescindible Pepe Aracil,  el programa Vivir Rodando 127 habla sobre la mítica revista La Codorniz, sus miembros y la relación que tuvieron con el cine a lo largo de los años. 

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/ VR125 / Jaime de Armiñán

Hace cuarenta años El nido se estrenaba en nuestro país. La película que, obtuvo una nominación al Oscar a la mejor película de habla no inglesa, mostraba una relación entre un hombre mayor y una niña que iba del amor platónico a la amistad. Ocho años antes otra película española del mismo director, cuyo título era Mi querida señorita, también había logrado una nominación al Oscar en la misma categoría tocando un tema también insólito en esa época: un mujer de mediana edad descubre que realmente es un hombre. Estas dos películas fueron dirigidas por uno de los grandes directores de la historia del cine español: Jaime de Armiñán.

Gran escritor cinematográfico, que además publicó novelas u obras de teatro, la obra de Jaime de Armiñán no sólo son estas dos películas de gran éxito en su momento, su obra contiene auténticas joyas que hablan de amores poco ortodoxos, brechas generacionales y un retrato bastante fidedigno de lo que era la vida de la clase media española de la época. Cineasta con una amplia experiencia en Televisión Española, creando, entre otras cosas, la serie de gran éxito Juncal, su mirada es tan original como clásica haciendo que su solida filmografía sea una de las más interesantes de las que surgieron en España a partir de la década de los setenta. Por ello, y con la imprescindible presencia de Pepe Aracil, el programa Vivir Rodando 125 está dedicado a la figura de Jaime de Armiñán. 

 

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