Resumen 2010 (V): Las mejores películas de 2010

1. LA RED SOCIAL (David Fincher)
2. TWO LOVERS (James Gray)
3. TOY STORY 3 (Lee Unkrich)
4. ANVIL. EL SUEÑO DE UNA BANDA DE ROCK (Sacha Gervasi)
5. FANTÁSTICO SR. FOX (Wes Anderson)
6. ORIGEN (Christopher Nolan)
7. UN PROFETA (Jacques Audiard)
8. EN TIERRA HOSTIL (Kathryn Bigelow)
9. SCOTT PILGRIM CONTRA EL MUNDO (Edgar Wright)
10. SHUTTER ISLAND (Martin Scorsese)

Fin o principio de una generación. No se sabe si eso lo marca La red social. Pero no por ello es la película del año 2010. Lo es porque pocas veces gente tan distinta (David Fincher, Aaron Sorkin, Trent Reznor, Atticus Ross, Jesse Eisenberg...) unieron fuerzas para crear un conjunto solido como una roca. Dos horas que pasan como un suspiro en un film que no sólo habla de ambición y poder (que también) sino que hace un retrato perfecto de la soledad. Amor y tortura o el amor como tortura. Sin existir una obra magna como la de Fincher, Two lovers deberia ser la película del año. Simplemente por ser un clásico complejo y con una sensibilidad difícil de ver en el cine norteamericano. Para todos los que no hayan visto esta obra maestra de James Gray simplemente animarles porque verán algo distinto.

Hacer algo distinto haciendo lo mismo. Toy Story 3 cerraba con una perfección asombrosa una saga para la historia. Humor, acción y sensibilidad que no sensiblería. Y la película más “bonita” del año la ha protagonizado un grupo ¡de heavy metal! Sufrir, reírse y emocionarse con los altibajos del grupo Anvil en Anvil. El sueño de una banda de rock ha sido uno de los grandes momentos de esta año que nos deja. ¡Godzilla! Y también es genial sentirse inteligente con ese torrente de creatividad e ironía que ha sido la incursión de Wes Anderson en el mundo animado con Fantástico Sr. Fox.

La carrera de Origen ha sufrido de todo desde su estreno. Ovaciones al principio, luego recelos, más adelante división de opiniones...  Lo que es obvio es que es una película magnética que atrae (para bien o para mal) dirigida por un grande como es Christopher Nolan. Quizá la película del año por los ríos de tinta que trajo consigo. Un profeta fue la confirmación de Jacques Audiard como uno de los grandes narradores europeos. La historia de un superviviente en una cárcel era mezclada con maestría con elementos de cine negro y social. Y una maestra es Kathryn Bigelow. Los oscars han debido premiar a su soberbia En tierra hostil para que muchos volvieran la mirada a esta mujer. Simplemente ha hecho lo que sabe rodar como nadie como es la guerra de verdad sin coartadas de ningún tipo. Y si con La red social podíamos hablar de película generacional es imposible no hacer con Scott Pilgrim contra el mundo. Con un ritmo frenético de videojuego la película se convierte en un documento (casi) histórico. Una película para tomarse más en serio de lo que parece. Y para el final está Shutter Island. Martin Scorsese se suelta la melena y arriesga como hace mucho que no lo hacía. Y ya por eso se merece el aplauso. Shutter Island es tan excesiva como genial. Esperemos que siga por ese camino en proyectos venideros.

También fueron grandes películas: Air Doll, Al límite, An education, Balada triste de trompeta, Exit through the gift shop, Gainsbourg (Vida de un héroe), El gran Vázquez, I'm not there, Rumores y mentiras, Un tipo serio,  Up in the air y Las vidas posibles de Mr. Nobody

En años anteriores...

2009 - La clase (Laurent Cantet)

2008 - Tropic Thunder (Ben Stiller)

2007 - Zodiac (David Fincher)

Resumen 2010 (IV): Interpretaciones de cine en 2010

 

1. Joaquin Phoenix (Two lovers)

2. Jesse Eisenberg (La red social)

3. Tahar Rahim (Un profeta)

4. Eric Elmosnino (Gainsbourg (Vida de un héroe))

5. Santiago Segura (El gran Vázquez)

También fueron grandes interpretaciones: Álex Angulo (El gran Vázquez), Alfred Molina (An education), Andrew Garfield (La red social), Anthony Mackie (En tierra hostil), Antonio de la Torre (Balada triste de trompeta), Carlos Areces (Balada triste de trompeta), Chris Cooper (The town. Ciudad de ladrones), Christopher Mintz-Plasse (Kick-Ass. Listo para machacar), Danny Trejo (Machete), Enrique Villen (El gran Vázquez), Frank Langella (Wall Street 2: El dinero nunca duerme), George Clooney (Up in the air), Jeff Bridges (Los hombres que miraban fijamente a las cabras), Jeremy Renner (En tierra hostil), John Travolta (Desde París con amor), Josh Brolin (Conocerás al hombre de tus sueños), Jude Law (Sherlock Holmes), Justin Timberlake (La red social), Leonardo DiCaprio (Origen / Shutter Island), Mel Gibson (Al límite), Michael Cera (Scott Pilgrim contra el mundo), Michael Stuhlbarg (Un tipo serio),  Morgan Freeman (Invictus),  Niels Arestrup (Un profeta), Peter Sarsgaard (An education), Pierce Brosnan (El escritor), Ray Winstone (Al límite), Robert Downey Jr. (Sherlock Holmes), Santiago Segura (Balada triste de trompeta) y Steve Carell (Noche loca)

 

1. Emma Stone (Rumores y mentiras)
2. Donna Bae (Air Doll)
3. Olivia Williams (El escritor)
4. Carey Mulligan (An education)
5. Tina Fey (Noche loca)

También fueron grandes interpretaciones: Anna Kendrick (Up in the air), Amanda Seyfried (Chloe), Cate Blanchett (I'm not there), Chloe Moretz (Kick-Ass. Listo para machacar), Concha Velasco (Rabia), Gwyneth Paltrow (Two lovers), Isabella Rossellini (Two lovers), Ivana Baquero (La otra hija),  Kim Cattrall (El escritor), Marion Cotillard (Origen), Naomi Watts (Conocerás al hombre de tus sueños), Rashida Jones (La red social), Rooney Mara (La red social), Vera Farmiga (Up in the air) y Vinessa Shaw (Two lovers)

En años anteriores...

2009 - Frank Langella (El desafío. Frost contra Nixon) / Charlotte Gainsbourg (Anticristo)

Resumen 2010 (III): Origen , mejor película del año según la encuesta anual de Vivir Rodando

En este resumen de 2010 llegamos a un momento importante. Preguntarle a los seguidores, amigos, enemigos de Vivir Rodando y gente en general cuales han sido las películas que más les han gustado este año que nos deja. Y como hace un año han dejado una lista variada, interesante...y generacional. Los Scorsese o Coppola han dejado paso a una serie de cineastas que han cogido el testigo para convertirse en los nuevos clásicos modernos. Uno de estos máximos exponentes es Christopher Nolan cuya exitosa película Origen (14 votos) ha sido la mejor película de 2010 según el público que ha participado en esta votación. Nolan ha sabido combinar acción e inteligencia en una película que (obviamente) ha calado y fascinado a la mayor parte del público. Y también ha sabido sobrevivir a los detractores de la cinta que durante meses han puesto en duda la maestría de Origen. Lo que está claro es que Nolan no deja indiferente. Y que ha sido una votación generacional se muestra en la película que ha quedado en segundo lugar. Tras una reñidísima votación (sólo un voto de diferencia) La red social (13 votos) ha claudicado ante Origen. También ha calado entre el público una historia y unos personajes que a pesar de hablar de un hecho pasado nos muestra como es nuestra sociedad presente y futura. Nolan y Fincher, suyo es el mundo.

Si hablábamos de clásicos modernos en un segundo grupo nos encontramos a un clásico de los siempre. Martin Scorsese ha vuelto a encontrarse con el favor de público y critica con Shutter Island (10 votos). Igualado con ella esta una de las despedidas más redondas y emocionantes de la historia del cine, Toy Story 3 (10 votos). Haber poder disfrutado de un Scorsese y un Pixar en plenitud es un lujo.

Comandando con autoridad el siguiente grupo nos encontramos con otro clásico de siempre como Roman Polanski y su El escritor (5 votos). Todos sus problemas judiciales no le han hecho perder su pulso y ha realizado una de sus mejores películas de los últimos años. La conspiración te hará fuerte. Un poco más alejadas (3 votos) se encuentran tres obras distintas como Alicia en el país de las maravillas, El gran Vázquez y Up in the air.

Nos acercamos al siempre interesante grupo donde hay muchas películas. Films distinto que han calado a algunas personas pero que a otras por mil razones nos les han “llegado”. En este grupo se encuentran (2 votos): Anvil. El sueño de una banda de rock, Gainsbourg (Vida de héroe), En tierra hostil, Entre nosotros, Fantástico Sr. Fox, Harry Potter y las reliquias de la muerte: Parte I, Invictus, Kick-Ass: Listo para machacar, Nausicaä del valle del viento, Two lovers y Las vidas posibles de Mr. Nobody.

Y cerrando la lista de las mejores películas de 2010 según los amigos de Vivir Rodando está el grupo más variopinto (1 voto): Adele y el misterio de la momia, Al límite, An education, Buried (Enterrado), La cinta blanca, El concierto, Cómo entrenar a tu dragón, Conocerás al hombre de tus sueños, Desde París con amor, Ga´Hoole: La leyenda de los guardianes, The good heart, Green Zone: Distrito protegido, Entrelobos, Un hombre soltero, I’m not there, Iron Man 2, Machete, Los mercenarios, Nadie sabe nada de gatos persas, Océanos, Los ojos de Julia, Pájaros de papel, Un profeta, Precious, Robin Hood, Scott Pilgrim contra el mundo, Sexo en Nueva York 2, Sherlock Holmes, Soul kitchen, Submarino, The town. Ciudad de ladrones, Vivir para siempre y Wall Street 2: El dinero nunca muere.

Han participado en esta votación, Tania Baeza, Carlos, Sandra Van Leeuwen, Hugo Rodrigo, Silvia López, José Carlos Lledó, Santiago Segurola, Sandra Murcia, Ángeles Gómez, Gregorio Fernández, Nacho Gonzalo, Marcos Gómez, Ximo Matarredona, Fran Martínez, Eva Corbalán, Antonio Chaves, Alejandro Ferri, César Cornejo, Jorge Roche, Fernando Miró, Paula, Daniel Bermeo, Patricio Vidal y Emilio Pazo. El ganador del DVD de la película Kundun ha sido Marcos Gómez.

Mil gracias a todos por vuestra sabia colaboración.

En años anteriores...

2009 – El curioso caso de Benjamín Button (David Fincher) / Déjame entrar (Tomas Alfredson) / Los mundos de Coraline (Henry Selick) / El secreto de sus ojos (Juan José Campanella)

Resumen 2010 (II): / VR31 / Resumen 2010

Hacer balance de los años que finalizan puede parecer algo tan absurdo y fácil como celebrar la Navidad. Pero también es una buena manera de ver si nuestro mundo marcha bien o es hora de pegar un volantazo para enderezar las cosas. En este último Vivir Rodando hacemos un repaso a las películas que más nos han calado que van desde La red social a Planes para mañana. Pero además constatamos con preocupación que la cultura (cinéfila) no está llegando a todos lados como debería. Falta de estrenos en ciudades importantes, poca o nula promoción de la cultura cinéfila...2010 abre muchas puertas pero también está cerrando unas cuantas. Para ello contamos con el hombre que lo ve y lo sabe todo de cine, el gran escritor Antonio Sempere. Seguimos cerrando el 2010 con programa 31 de Vivir Rodando.

Para escuchar o descargar el programa pincha en:

. / VR31 / Programa Vivir Rodando 23 Diciembre 10 (Resumen 2010)

Resumen 2010 (I): 2010, momentos de cine para el recuerdo

. Competitividad, juventud, música atronadora, David Fincher. La carrera de remos de La red social, una joya del mundo audiovisual

. Kathryn Bigelow en lo alto por En tierra hostil. No por ser mujer sino por ser una magnífica directora (siempre lo fue)

. No mucha gente supo que se había estrenado un clásico con dos años de retraso, mucha maestría y un final que te rompía el corazón, Two lovers

. El encuentro en la cárcel entre los personajes de Ben Affleck y Chris Cooper en The Town. Ciudad de ladrones

. Leonardo DiCaprio repitiendo personaje depresivo / bipolar en Origen y Shutter Island

. Películas incomodas, personales y libres de auténticos genios como son Un tipo serio (Joel y Ethan Coen) y Balada triste de trompeta (Álex de la Iglesia)

. La peonza que nunca se detiene (¿o si?) de Origen

 

. Comienza la brillante dictadura del compositor Alexandre Desplat. Un profeta, El escritor, Fantástico Sr. Fox... Fue una delicia para los oidos escuchar Origen (Hans Zimmer), Toy Story 3 (Randy Newman), La red social (Trent Reznor y Atticus Ross)... Se podría incluir una banda sonora ya editada pero cuya película se estrenó en 2010, I’m not there

. Adiós a una de las grandes sagas de la historia del cine con Toy Story 3

. La sequedad y dureza de otros tiempos de Al límite

. La muerte de la rata en Fantástico Sr. Fox

 

. El rostro de Carlos Areces al final de Balada triste de trompeta

. Documentales contemporáneos con ironía e inteligencia como son Anvil. El sueño de una banda de rock y    Exit through the gift shop

. La irresistible química de dos grandes cómicos como Steve Carell y Tina Fey en Noche loca

. ¿Hay que volver a insistir en que Santiago Segura es un buen actor? Vistazo a El gran Vázquez y Balada triste de trompeta

. John Travolta en plan divertido y chuleta en Desde Paris con amor

. ¿Puede estar una actriz soberbia y odiosa el mismo año? Sí, Carey Mulligan en An education y Wall Street 2: El dinero nunca muere

. Nuevos rostros y miradas que cogen fuerza en este año como Chloe Moretz (Kick-Ass. Listo para machacar), Carlos Areces (Balada triste de trompeta), Tahar Rahim (Un profeta), Andrew Garfield (La red social), Emma Stone (Rumores y mentiras), Michael Stuhlbarg (Un tipo serio), Anna Kendrick (Up in the air), Vinessa Shaw (Two lovers), Donna Bae (Air Doll), Amanda Seyfried (Chloe), Carey Mulligan (An education), Jeremy Renner (En tierra hostil)...

. 2010 no será un año más. Fue el año en el que se fue el maestro Luis García Berlanga

Balada sucia, enfadada y valiente

- Balada triste de trompeta - (Álex de la Iglesia, 2010)

Para amar Balada triste de trompeta hay que odiarla un poco. Uno debe asumir su incoherencia, sus inconexos saltos temporales y sus puntiagudas aristas. Balada triste de trompeta es fea, sucia, irregular y, hasta cierto punto, desagradable. Y ahí es donde radica su belleza diferencial. A estas alturas del cuento Álex de la Iglesia se encuentra en un punto donde no debe rendir cuentas a nadie. Es un director amado por el público (como los niños a los payasos) y nunca ha tenido que sacrificar su capacidad autoral. Por eso ha llegado a su novena película con ganas de arriesgar sin mirar lo que podrían pensar los demás o, incluso, lo que podría pensar el mismo. Y seguramente quien no entienda eso no pueda disfrutar Balada triste de trompeta.

La película de Álex de la Iglesia refleja los años más complejos y absurdos de nuestro país (guerra civil, dictadura franquista...) Quizá por eso esta película es igual que esos años o que nuestro país. Una locura violenta sin sentido. Ya lo anuncian los excepcionales títulos de crédito de la película donde una serie de fotos de la época son mostradas de forma inconexa. Si nuestro país ha vivido (y en cierta manera vive) en una locura violenta permanente no sería raro encontrar a dos payasos matándose por el amor de una despampanante acróbata. De la Iglesia afea a cosa hecha su película para hacer una historia especialmente física. Se podría pensar que en el guión, De la Iglesia se haya dejado desarrollar más los personajes de Antonio de la Torre, Carlos Areces y Carolina Bang. Pero esta vez eso no importa demasiado. Los tres actores (excelentes, especialmente los dos payasos) hablan con el cuerpo y con sus acciones dementes. Eso crea en el espectador una sensación incómoda durante toda la película queriendo obtener respuestas que De la Iglesia no le va a conceder.

En el fondo para querer a Balada triste de la trompeta hay que odiarla un poco asumiendo que sus defectos van en beneficio de una película extraña, diferente y personal

Balada triste de trompeta no ha llegado para hacer amigos. Es coherente que venga con dos premios de un festival como Venecia ya que podría ser la película de Álex de la Iglesia más festivalera. En ella no ha buscado contentar a nadie creando una obra llena de aristas y que no busca ni la risa fácil ni el aplauso ante cualquier escena virtuosa. Es verdad que sigue siendo una obra del director bilbaino y cuenta con un acabado formal de quitarse el sombrero (su fantástico inicio, ese salto final de Carolina Bang...) además de su fenomenal circo de secundarios (Sancho Gracia, Terele Pávez, Enrique Villén, Manuel Tallafé...) Pero es un De la Iglesia cabreado y sucio. Y esa libertad en un cineasta de tanto talento se agradece mucho. Quizá Balada triste de trompeta haya nacido para el culto tardío más que para el éxito inmediato. 

. Killer Klowns from Deep Spain (John Tones, Cine 365)

El guión penosamente estructurado da pie a una película llena de altibajos, pero cuando el film apunta alto, es ciertamente estratosférico y, sobre todo, completamente inaudito en un cine a menudo tan proclive a la medianía tonal como el nuestro

. Una magnífica, torrencial y excesiva película de Álex de la Iglesia (Julio Vallejo, Pasión por el cine)

Esta historia de melodrama desatado le sirve al cineasta español para mostrar que España es un gran circo. Álex de la Iglesia desestima cualquier atisbo naturalista para dar rienda suelta a todas sus obsesiones en forma de un grand guignol no apto para estómagos con intolerancia a los platos cinematográficos bien sazonados

/ VR30 / El prisionero

Abogar por la libertad del individuo frente al poder (empresarial, gubernamental...desgraciadamente hay mucho para elegir) puede ser algo provocador en estos tiempos. Pues imaginaros en 1967. En ese año nació (y casi murió) una de las series más subversivas, brillantes y revolucionarias de todos los tiempos. Bajo el falso pretexto de una serie al estilo de James Bond, El prisionero exploró nuevos mundos para la ficción televisiva. Brillante, reivindicativa y psicodélica es difícil imaginar una serie que se merezca más el termino de culto como la obra que crearon Patrick McGoohan y George Markstein. Con la ayuda de dos grandes como Ángeles Gómez (creadora de El Espacio y Feedback) y José Carlos Lledó (creador de El bueno, el feo y el malo) Vivir Rodando en su programa número 30 se dedicará a contar las sensaciones que deja una experiencia que todo hombre que aspire a ser (verdaderamente) libre debería tener. Ver El prisionero.

Si quieres escuchar o descargar el programa pincha en:

. / VR30 / Programa Vivir Rodando 7 Diciembre 10 (El prisionero)

Wikileaks de instituto

 - Rumores y mentiras - (Will Gluck, 2010)

Reconozcamos que el instituto es una de las época más inútiles que uno ha de pasar en la vida. Educativamente nula uno debe rezar por no olvidar lo aprendido en el colegio y esperar que pase pronto unos años que nadie te va a devolver. Will Gluck retrata con acierto y brillantez lo que es la vida en esa jungla llamada instituto. Sabedor que la vida allí no deja de ser una guerra para que tu moral no acabe siendo muy dañada. Gluck coloca el high school como si de una embajada estadounidense se tratara. Un nido de víboras lleno de mentiras y falsedades donde la verdad no tiene ninguna importancia. Rumores y mentiras es una brillante actualización de los mejores momentos de la carrera de John Hughes (que tiene un bonito homenaje en la cinta). A los mismos complejos adolescentes les suma elementos como el fanatismo religioso (hola Tea Party) o el nuevo lenguaje choni cuya comprensión empieza a ser importante para sobrevivir en ciertos ambientes. Y todo estos elementos Gluck los maneja con colorido y, como dice el personaje de Patricia Clarkson, mucho sentido del humor.

Y no se pueden nombrar las bondades de Rumores y mentiras sin hablar de Emma Stone. Seguramente sin su concurso la película de Will Gluck no llegaría a volar tan alto. En un papel complicado que podía caer en la autocomplecencia pero no llega ni a rozarla. Con un carisma a prueba de bombas y a pesar de su juventud Watson ofrece un one woman show ofreciendo una interpretación divertida, irónica y muy carismática. Es verdad que como toda película adolescente cae en errores. Momentos dramáticos previsibles o personajes metidos con calzador (el personaje de Penn Badgley) para que la trama pueda llegar a su fin. Pero son errores perdonables en una película que con cerebro, carisma e ironía ha logrado ser una de las sorpresas de este año.

. Arroba escarlata (Javier Ocaña, El País)

Rumores y mentiras, inspirada en La letra escarlata, de Nathaniel Hawthorne, recupera la práctica no solo con sorna, estilo visual e infinita gracia, sino también como una estupenda radiografía del puritanismo que invade ciertos sectores de los actuales Estados Unidos

. Encantada de conèixer-se (Nando Salvà, El Periódico)

Però tot i els mandrosos paral·lelismes de la història amb La lletra escarlata, el seu sarcasme i la seva autoconsciència, els seus diàlegs espavilats -quin mal exemple va donar Diablo Cody- i les referències a John Hughes i altres icones de la comèdia teen dels 80, Rumores y mentiras no és ni la meitat de divertida o intel·ligent del que creu

/ VR29 / Quentin Tarantino

Icono pop. Director con un talento fuera de lo común. Actor mediocre. Ególatra insoportable. Famoso vocacional. Genio. Genio. Genio. Pocos directores en la historia del cine han logrado que se hable de ellos con tanta pasión (para bien o para mal). Quentin Tarantino ha logrado sobrevivir a si mismo y a ser “el director de Pulp Fiction”. Sin perder su marca personal el director ha logrado superar todas las barreras que había entorno a él y construir una filmografía tan sólida como personal. Para hablar de su figura y, especialmente, de las sensaciones que dejan sus películas estarán en Vivir Rodando los imprescindibles, José Carlos Lledó y Patricio Vidal (creadores del mítico espacio El bueno, el feo y el malo). El genio y la furia de Tarantino en el programa 29 de Vivir Rodando.

Si quieres escuchar o descargar el programa pincha en:

. VR29.4X02 Programa Vivir Rodando 25 Noviembre 10 (Quentin Tarantino)

Música de cine: Scott Walker: 30 Century Man. El artista buscándose (y encontrándose) a si mismo

Hay un momento que no debe pasar desapercibido del documental Scott Walker: 30 Century Man. Se ve como en un reportaje televisivo de los 60 los Walker Brothers responden a las típicas preguntas que se les suele hacer a los grupos de música de moda. Dos de los miembros del grupo (Gary Leeds y John Maus) responden tonterias vagas o superficiales sobre lo que para ellos es la musica. Luego llega el momento de hablar a un joven Scott Walker que se sincera explicando que no le interesan ni el éxito ni la fama sino “hacer buena música”. A otro personaje podriamos ponerle la etiqueta de falso o pedante. Pero no a Scott Walker. Hablamos del hombre que paso de la efímera fama adolescente y dejo de ser un beatle para convertirse en uno de los mayores artistas musicales del siglo XX.

El documental de Stephen Kijak , Scott Walker: 30 Century Man (que coge el titulo de la que puede ser la canción más popular del músico) no intenta descubrir quien es Scott Walker. Es más, el principio de la cinta asume que ese reto es imposible. David Bowie (productor del film) se encarga de dejarlo bien claro: “nadie sabe quien es Scott Walker”. Scott Walker: 30 Century Man sirve como una brillante y excelente guia de lo que ha sido la carrera de un artista que lucho por encontrarse a si mismo en todo lo que hacia. A si mismo aunque fuera por medio de otros. Tras descubrir a Jacques Brel gracias a ligarse a una conejita de Playboy hizo que el artista francés fuera una continuación de si mismo. Las adaptaciones de las canciones de Brel eran tan perfectas que lograron superar, en algunos casos, a las originales. Oyendo la profunda voz de Walker podemos sentir que canta como si fuera la última vez que iba a hacerlo.

Stephen Kijak no quiere respuestas. Constata lo increíble del fracaso de un disco tan espectacular como el Scott 4. Antes Walker habia parido en apenas tres años obras magnas como Scott, Scott 2 y Scott 3. Luego llegó Scott 4 y la desaparición. No hay respuestas. Porque lo que viene después es tan grande que no hay que pararse en misterios paranormales. Tras diversos intentos de reaparición .... le dedica una buena parte del metraje al último Scott Walker. El que tarda años en poder parir una nueva obra (recordemos, en tres años había realizado los cuatro Scott). Eso si unos discos distintos, más cercanos a la opera que a la cultura pop. Obras definitivas y rompedoras como son Tilt o The drift (y en medio la banda sonora para la película Pola X de Leos Carax). Kijak tiene el lujo de meterse en el estudio de grabación de Walker para ver como funciona un artista que ya no tiene que rendir cuentas con nadie. Durante la última parte del documental vemos a Walker (un tipo bastante normal, alejado del topicazo de artista torturado) haciendo todo lo posible por sacar el sonido que quiere. Ya sea haciendo que el percusionista Alasdair Malloy golpee un costillar de cerdo de una manera determinada para sacar el sonido que quiere o bien rasgando su voz hasta los más profundo de su alma. Lejos quedan los Walker Brothers. Incluso Scott 3 o Scott 4. Sólo está Scott Walker. Por fortuna el documental Scott Walker: 30 Century Man se aleja de retratos psicológicos banales. Es una oda a la libertad del artista para hacer lo que siente en cada momento. Y si ese artista es Scott Walker todos nos beneficiamos.

Sobrevivir en territorio ajeno

- La otra hija - (Luis Berdejo, 2009)

Sería obligatorio que tras el pase de La otra hija se pasara un DVD con la rueda de prensa que dio su director, Luis Berdejo, en el pasado festival de Sitges. Podía parecer la típica rueda de prensa pero Berdejo (un tipo muy inteligente) dejo frases que si te parabas a analizarlas entendías como había sido su experiencia trabajando en Estados Unidos. El director vino a explicar que La otra hija había sido un master pagado en la meca del cine y uno podía comprender que Berdejo ha hecho lo que ha podido con lo que le han dejado. Y todo eso se nota en la película.

La otra hija tiene muchos puntos en contra. Durante su metraje nada sorprende en el argumento y no hay elementos creativos de interes que ayuden a pensar que La otra hija va a ser una gran experiencia cinemtografica. Como película de genero de manual la película transcurre con una placida sobriedad que no molesta pero tampoco sorprende. La interpretación serena (hierática también) de Kevin Costner va en consonancia con una película cuyo misterio no interesa lo suficiente. Pero si vamos más allá de los aspectos negativos de La otra hija uno se da cuenta de un aspecto clave en una película. La otra hija no aburre. Y es ahí donde sale el talento que si que tiene Luis Berdejo. Sabiendo que no es exactamente “su película” y que dirigir en Estados Unidos es estar en una posición privilegiada, Berdejo aprovecha la oportunidad. Monta La otra hija como una película clásica de genero con una gran sobriedad y dignidad. No hay gran originalidad pero tampoco excesos. Berdejo es tan listo que hace que La otra hija sea un interesante drama familiar (norteamericano, claro) que habla sobre las relaciones entre hijos (adolescentes con todos sus cambios hormonales) y padres (perdidos). Para ello se apoya en la interprete más talentosa del reparto (Ivana Baquero) dejándola a sus anchas y permitiendo que se coma a su padre ficticio, Kevin Costner. Luis Berdejo da una lección de cómo sobrevivir trabajando en territorio ajeno manteniendo un halo de dignidad. En la rueda de prensa de Sitges, Berdejo dijo que el próximo proyecto que rodara le gustaría que “fuera con un guión suyo”. Se lo ha ganado. 

. Ya soy mujer...insecto (Fausto Ferández, Cine 365)

Berdejo le suma una ambientación de cuento de brujería, muy de la escuela druídica (otro referente más en la trama) británica, ribeteada con lo que vendría a ser la doméstica variante de films con hijos o hijas deambulando por la locura y el instinto homicida

. El otro cine (Juan Pairet Iglesias, El séptimo arte)

Como otras tantas cintas, la profesionalidad con la que está resuelta 'La otra hija' está fuera de toda duda y su factura técnica resulta intachable, si bien se le puede achacar falta de imaginación y valentía en su puesta en escena, así como no ser capaz de rematar algunas secuencias con el necesario golpe de gracia que dote de consistencia a las mismas

. Berdejo apunta maneras pero se pierde en el bosque hollywoodiense (Javier Ruiz de Arcaute, Las horas perdidas)

El problema es precisamente que entre limitaciones, negociaciones y un guión interesante en su planteamiento, pero pobre en su desarrollo, la película se queda a medio camino de muchas cosas sin decantarse por una concreta, y con la terrible sensación de estirarse demasiado para encajar en el formato de largometraje

"Se habla muy poco del papel de la mujer en la Guerra Civil" (Mikel Rueda, director de Estrellas que alcanzar)

Decir que Mikel Rueda es alguien nuevo en el mundo del cine sería mentir. En su haber tiene más de diez cortometrajes que le han hecho coger experiencia para poder iniciar la gran aventura de dirigir un largometraje. Esta primera aventura se llama Estrellas que alcanzar que se estrena este viernes 22 de octubre en España y narra una historia oscura de la Guerra Civil, la situación de las mujeres durante el conflicto. Grandes olvidadas que ahora la película de Mikel Rueda rescata

¿Cómo surgió la idea para realizar Estrellas que alcanzar?

Digamos que la película me llega de encargo. Yo presenté un guión mío a Baleuko (la productora) y al leerlo me dijeron que les gustaba y que querían hacerla pero que en esos momentos tenían una idea entre manos que querían desarrollar. Y me la propusieron. Después de documentarme varios meses acerca de lo que ocurrió en aquel lugar, decidí ponerme al mando del proyecto y dirigir la película. Si que es verdad, que al principio no sabíamos qué iba a salir de todo aquello, porque no teníamos claro el formato pero lo que la productora tenía claro es, que querían a alguien joven al frente del mismo. Querían alguien completamente ajeno, para poder alejarse de los hechos y contarlos desde fuera. Y es verdad, que al hablar de cine es muy difícil hablar de objetividad, ya que en el mismo momento en el que sitúas la cámara en un determinado lugar, estás sesgando la realidad pero sí que he intentado que los personajes hablen por sí mismos y que sean sus hechos los que les juzguen.

Uno de los temas de Estrellas que alcanzar es el trato a las mujeres republicanas durante la guerra civil. ¿Cree que las mujeres en esta guerra han sido olvidadas?

Es curioso, porque efectivamente se ha hablado mucho del papel del hombre en la guerra, de los maestros, artistas... pero muy pocas veces hemos oído hablar del papel de las mujeres, y más concretamente del de las madres. Y es que en aquella época, la sociedad vivía marcada por lo masculino era el hombre el que iba a la guerra, el que decidía lo que se hacía y lo que no y las mujeres se quedaban en casa. Y a su cargo quedaba algo mucho más importante que todo lo demás: la educación de las generaciones venideras. Y precisamente esa educación es la que quiso cargarse de raíz una parte de este país. Quisieron hacer desaparecer unos valores y unas maneras de entender la vida que se oponían por completo a las suyas. Y por eso es importante esta película, porque rinde homenaje a esas mujeres que no se callaron, que supieron seguir adelante cuando no había nada a lo que agarrarse.

  

El proceso de documentación debe haber sido clave. ¿Aprendió mucho durante el proceso de Estrellas que alcanzar?

La verdad es que sí. Yo conocía muy poco acerca de lo ocurrido en las cárceles de mujeres. No tenía ni idea, como muchos otros, de la desaparición de niños y su posterior movimiento en adopción a familias falangistas. Pero sobre todo de donde más he aprendido ha sido del contacto directo con las expresas que aún siguen vivas. Son un documento vivo de lo que allí sucedió... y fue gracias a ellas, que pude impregnarme de esa verdad que necesitaba la historia para ser real y llegar a la gente.

Una vida mejor

 - La red social - (David Fincher, 2010)

Una de las razones del fracaso comercial de esa obra maestra que es Zodiac es que el público entendió que era una película sobre un asesino. La realidad es que el asesino era una excusa para hablar del vacío del ser humano, de la sobreinformación como tortura para el ciudadano de a pie... Y en La red social, David Fincher vuelve a hacer lo mismo. Facebook supone la excusa para volver a hacer una afilada radiografía del lado más oscuro del individuo. Y nunca mejor dicho porque la película es un retrato de la individualidad, de la lucha contra lo impuesto, la sociedad...y, a veces, contra uno mismo.

La red social podía haber sido una película barato sobre buenos (Eduardo Saverin, Cameron Winklevoss, Tyler Winklevoss, Divya Narendra...) contra malos (Mark Zuckerberg, Sean Parker... ) Pero si se analiza el cine de David Fincher y la obra de Aaron Sorkin podemos ver que sus personajes siempre son retratados en el filo de la ambigüedad. En la película se podria definir a Mark Zuckerberg como un antihéroe nihilista. Pero heroe al fin al cabo. Individuo que lucha contra los ricos, cachas, triunfadores por herencia... que cree que tiene derecho a aspirar a una vida mejor. Un Robin Hood que roba a los ricos...para darselo a él mismo. Ahí es donde radica la fuerza de La red social. En la velocidad de sus dialogos, los encuadres perfectos, el montaje maestro...hay un contenido donde nada se da por supuesto y deja al espectador la sensación de que el ser humano puede ser cruel en sus errores como perdonable por ellos mismos. La red social no va exactamente (como se podía suponer) de sexo, drogas, dinero (el vil metal es irónicamente despreciado en el film) o ambición desmedida. Ni siquiera creo que sea el retrato de una generación. La red social podría ser exportable a cualquier época o estado del ser humano. Con un estilo cercano al Bret Easton Ellis (pero nunca llegando a su autismo emocional) la película llega con brillantez y sin exceso al fondo del ser humano. El que no se resiste a andar por el camino que le han marcado. Aunque deba dejar la poca alma que uno tiene.

La red social es el retrato de un antihéroe nihilista que aspira a ser mejor aunque para ello tenga que vender su (casi nula) alma

Es verdad que La red social es Fincher en estado puro. Pero el maestro es tan bueno como listo. Porque La red social es una especie de All Star donde cada elemento se ha juntado con el otro para lograr un conjunto sin fisuras. En la película tenemos los eternos diálogos de Sorkin, el talento visual de Fincher (una competición de remo que podría pasar a la historia del audiovisual), la música acertadamente ensordecedora de Trent Reznor y Atticus Ross y la interpretación magistral de Jesse Eisenberg. Todos aportan su grano de arena para crear una obra tan descomunal como sutil. Sólo hay que ver los breves pero certeros retratos femeninos de los personajes interpretados de Rashida Jones y Rooney Mara (aquí hay futuro). Por eso La red social termina con una excelente secuencia que deja abiertas muchas preguntas (y da bastantes respuestas) sobre la naturaleza del individuo. Y donde el espectador debe dar su solución sobre lo que es esta maravillosa experiencia que es La red social.

. El reflejo de una generación (Daniel Lobato, La noche americana)

Al igual que hiciera con Zodiac, Fincher otorga a La red social un estilo sobrio y muy analítico, se limita a enseñar sin entrar a juzgar las acciones de los personajes

. La paradoja de Zuckerberg (Jordi Costa, El País)

Fascinante estudio de personaje y preciso retrato de una época -el estricto presente-, La red social se abre como una novela de campus y culmina en una secuencia final perturbadora, que quizá lanza un guiño inconsciente al Samuel Beckett de Film (1965)

 . A universal story that's hard not to like (Ann Hornaday, The Washington Post)

"The Social Network" can't be taken as the literal record of events -- which ultimately involved Zuckerberg being sued by his partners and competitors. Clearly Sorkin and Fincher had higher aspirations for their film. With surgical precision, exhilarating insight and considerable storytelling flair, they make Zuckerberg both a metaphor and a lens through which to understand contemporary culture

Las dos caras de Oliver Stone

- Wall Street: El dinero nunca duerme - (Oliver Stone, 2010)

Tenía todo el sentido del mundo que hubiera una secuela de Wall Street en los tiempos que corren. Era muy positivo que el Oliver Stone atrevido y valiente pusiera su ojo sobre la pobre actualidad económica y nombrara con nombres y apellidos a los culpables (banqueros, políticos...) El problema era que daba la impresión que Stone estaba perdiendo en sus últimas películas toda esa bilis y mala leche que demostró durante gran parte de su carrera.

Pero hay buenas noticias, Wall Street: El dinero nunca duerme es bastante más disfrutable de lo que anunciaban antes de su estreno en España. La película ya anuncia (con unos créditos de apertura bastante de los ochenta) que Stone quiere recuperas su potente y atractivo ritmo narrativo. A través de una primera hora magnifica nos adentramos en el Wall Street del siglo XXI de forma trepidante, con una gran puesta en escena (con recuerdos al Stone de antaño), magnificas interpretaciones y un acertado análisis del estado actual del mundo (los culpables están en Wall Street). Incluso nos podemos creer que exista un broker ecologista y que sea buena persona (el personaje de Shia LaBeouf). La pena es cuando Wall Street: El dinero nunca duerme se convierte en una lucha entre el Stone que fue y el que realmente es. El maravilloso paranoico que dice ser un critico del stablishment USA y el que realiza películas que pueden rozar el telefilm. Las apariciones de una llorica (y bastante insoportable) Carey Mulligan nos avisan de que no es oro todo lo que reluce.

El pistoletazo de salida la da la penosa reconciliación de los personajes de Michael Douglas y Carey Mulligan en unas escaleras, secuencia que viene después de una estupenda escena / careo entre Josh Brolin y el propio Douglas. Las dos caras de Stone. Y Oliver Stone, como si de un Gordon Gekko del cine se tratara, nos tima con un final incoherente y absurdo rematado con una fiesta de cumpleaños final que es de vergüenza ajena. Y entonces es cuando lo vemos claro. En conjunto Wall Street: El dinero nunca duerme es una gran película que nos recuerda que Oliver Stone es un grande. El problema es que sibilinamente se ha vendido al capital, a la banca y le ha hecho el juego a los poderosos. Esta vez el poder lo representaba un sentimentalismo absolutamente inadecuado.

. 'Wall Street. El dinero nunca duerme', a medio camino (Juan Rodríguez Millán, La Sala de Cine)

Sí es cierto que se acerca por momentos en secuencias llamadas en el guión a ser grandes para el análisis y reflexión. Pero no menos cierto es que la película deriva mucho más a la situación de los personajes que a la de la economía global

. Innecesaria humanidad (Mex Faliero, Fancinema)

Uno descree de la construcción maniquea de los villanos, que no sienten compasión ni ante un bebé descuartizado. Pero la forma en que Stone expone aquí el vínculo padre-hija no sólo es incompatible con los personajes, sino que trae como consecuencia un epílogo ridículo y para nada conectable con el mundo de miserias que se nos quiso mostrar durante dos horas

. Capitalismo en tiempos de crisis (Quim Casas, Cine 365)

El dinero, como elemento pragmático, real, mueve el capitalismo, y la película de Stone es un nuevo estudio sobre el funcionamiento del capitalismo más atroz rodado con algo menos de talento que la primera aparición en escena del tiburón de las finanzas Gordon Gekko

Serie B con el freno de mano puesto

- Machete - (Robert Rodriguez, 2010)

En todo momento la sombra de Planet Terror permanece sobre Machete. Reconozco que disfruté como un niño con la película grindhouse de Robert Rodriguez. Gore, ritmo frenético, humor bizarro, un casting perfecto... Rodriguez le encontró el punto a realizar un sano divertimento de película de serie B sin quedarse en el homenaje absurdo. Por eso hay que pensar que en Machete, Rodríguez cogiera todas los automatismos que aprendió en Planet Terror. La presencia de Danny Trejo como protagonista absoluto hacia que nos frotáramos las manos de disfrutar de una bizarra y divertida experiencia cinematográfica. La pena es que la experiencia de ver Machete no es todo lo excitante que se espera.

Está claro que la presencia de Trejo impone. El actor que tanto nos gustaba en papeles secundarios es de lo mejor de la película. Sólo con su presencia física y la mirada, Trejo hace que nos creamos ese personaje imposible salido de la mente de un director sin miedo al ridículo. Y ese es el único problema de Machete, el ridículo o su miedo. Da la impresión que Rodriguez se frena muchas veces en el film (cosa que no pasaba en Planet Terror) cuando la película ese punto loco que está pidiendo a gritos. Y el inicio no puede ser mejor. Violencia, sentencias definitivas, desnudos, sangre, ritmo y Steven Seagal. Machete empieza siendo como la película bizarra que me imagino ... y quiero ver. También es positivo (y valiente) el toque social del film arremetiendo directamente contra la Ley de Arizona. 

Danny Trejo es Machete. Su presencia, mirada y figura hacen que la película cuente con un protagonista sólido y, sorprendentemente, creíble

Pero una vez acabada Machete da la sensación que no hacían falta tantas alforjas para este viaje. Una duración bastante normal como son los cien minutos se hacen excesivos para una historia que pedía sólo una hora y veinte. Pero el metraje no es el principal problema. Machete da la sensación de que se quiere desbarrar y no puede. En la escena del hospital o las de la iglesia (el diálogo de Cheech Marin y Trejo) Machete encuentra su verdadero espíritu de película trash que no tiene miedo a bordear el precipicio. Aunque Machete se disfruta y nunca aburre tampoco deja una sonrisa permanente en la boca. La sensación de que hay escenas de relleno donde Rodriguez apenas arriesga visualmente es permanente. Porque lo que no se le puede perdonar a Machete es que, al final, sea un thriller convencional. Y eso es lo que parece en algunos momentos.

Una baza es positiva en la película es su reparto que deja un buen sabor de boca Ya he hablado de la gran presencia que es Danny Trejo, alma y físico de Machete. También funcionan Don Johnson, Cheech Marin, Jeff Fahey, Michelle Rodriguez (su imagen en el final del film es para recordar durante años) e incluso Steven Seagal funcionan. Seguramente porque son los personajes que bordean más la caricatura y entienden lo que Machete tenia que ser. Más discutibles son Robert De Niro y, en especial, Jessica Alba. Esta última porque la sosez de su personaje y la poca inspiración de ella hacen que la película caiga en los caminos de la convencionalidad. Capitulo aparte merece una Lyndsay Lohan completamente desaprovechada en su papel de hija de Jeff Fahey. Su personaje de “hija descarriada” merecía más tiempo para darle a Machete el toque sucio que está pidiendo a gritos. Y más con la Lohan interpretándolo.

Machete no decepciona pero tampoco sorprende. Tiene sus dosis de gore, violencia, acción bruta, desnudos (aunque se nota la hipócrita mentalidad USA sobre el sexo), toque social con merecida reivindicación hispana, homenaje a El Santo... Y aunque se disfrutan sus virtudes deja la sensación de que Rodríguez podía haber ido un poco más lejos. Porque Machete no deja de ser una divertida película de serie B algo aburguesada.

. Machete no manda sms, Machete calla y mata (José Manuel Cuellar, ABC)

Si van a ir en plan purista con aquello de «si es más allá del blanco y negro es una piltrafa y sólo Bergman es bueno», mejor dejen de leer. Porque esto va a de otra cosa: va de pasada estrafalaria, de un nuevo género creado por estos dos compinches del jolgorio como son Robert Rodríguez y Tarantino: la acción comedia. Todo desemboca en una pasada pasada, sin medias tintas

. El tràiler era millor (Nando Salvà, El Periódico)

Massa sovint, Rodríguez abandona les seves aspiracions exploitation  per repetir un vague discurs sobre el tracte racista que els polítics i els guardes fronterers nord-americans infligeixen als mexicans

. Homenaje al cine malo con irresistible reparto (Carles Rull, Cinempatía)

Una propuesta descerebrada y con, sobre todo, humor que nunca debe tomarse en serio y mucho menos por su guión, voluntariamente pésimo, o un Danny Trejo inexpresivo, como mandan los cánones de sus referentes. En este sentido, sus primeras escenas son una inmejorable muestra, a ritmo trepidante, de las “pretensiones” de ‘Machete”, llenas de giros inesperados y detalles

Interpretaciones de cine: Michael Caine (Ejecutivo ejecutor). Siempre se puede ser un tiburón

La ambición tiene significados distintos. Se puede entender que uno ha alcanzado la cima cuando tiene una vida feliz rodeado de gente que le quiere (de verdad). Pero en tiempos de tiburones la ambición es tomada como querer llegar a lo máximo en tu trabajo, tener un despacho innecesariamente grande, altas dosis de poder y haber dejado víctimas en el camino. Si logras eso puedes decir que has triunfado. Y puede ser pero las cosas que dejas en el camino hacia ese paraíso son valiosas. Honestidad o bondad son términos no equivalentes con ser director general de una gran empresa. Y eso entiende el personaje de Michael Caine en Ejecutivo ejecutor.

Su Graham Marshall es un hombre razonablemente bien colocado en la empresa donde trabajo porque se lo ha ganado durante años. Ha ido trabajar puntualmente, se ha matado por su empresa, no ha pedido más de lo necesario... es la persona que debería estar al frente de un gran puesto. Desgraciadamente Marshall no es un tiburón. Es muy mayor para entender que lo que importa no es el talento ni el trabajo sino la capacidad de trepar por encima de los demás. Por eso el gran puesto de trabajo al que aspira es dado a un joven ambicioso sin muchos méritos en su expediente laboral. Pero no es tarde para Marshall, uno siempre puede ser un tiburón. Por eso decide que la forma “más honesta” de trepar es asesinar a los que le impiden llegar a la cima y tener una vida soñada. En realidad el método criminal no difiere mucho de los métodos acostumbrados para conseguir ascensos en las grandes empresas. Son igual de poco éticos.

Es obvio decir que Michael Caine es un grande. Porque puede ser un hombre sabio (Las normas de la casa de la sidra), un golfo aventurero (El hombre que pudo reinar) y un cabrón sin muchos escrúpulos (Asesino implacable). En Ejecutivo ejecutor muestra todas esas caras en una autentica exhibición. Es un empleado modelo, de vida mediocre que aguanta su aburrido matrimonio porque es incapaz de rebelarse ante nada. Y ahí Caine está sublime, como el perfecto señorito inglés que sigue su agenda al pie de la letra para poder llegar a casa a tomar el te. Pero cuando Caine es malo...es mejor. Sabe como ser despiadado y que incluso le apoyemos en su locura homicida al entender que es simplemente un hombre que quiere aspirar a trepar como cualquier hijo de vecino. Por eso asesina. Porque es la única forma que una sociedad competitiva y sin alma le ha dejado para poder sobrevivir sin perder la dignidad. Perdiendo el alma sí pero no la dignidad. Ejecutivo ejecutor es Michael Caine. Sin él la película acabaría un aceptable chiste de humor negro...pero nada más. Caine le aporta serenidad y clase a un personaje que en manos de otro actor sería el típico psicópata de turno. Caine hace que Graham Marshall sea un personaje que podría encontrarse en la época que vivimos. Un tiburón que quiere ascender en su vida y su trabajo y para ello debe pasar por encima de algunos. Literalmente por encima.

Riot Girls

 - The Runaways - (Floria Sigismondi, 2010)

Los primeros años en solitario de PJ Harvey dieron discos tan sensacionales como Dry o Rid of me. En ese principio, Polly Jean adopto una imagen (me refiero a la física no al contenido de sus trabajos) donde explotaba su sexualidad femenina equiparándola a cierta idea de la independencia de la mujer como estrella del rock. Recuerdo que en un articulo sobre la cantante (lamento no recordar su procedencia), la propia Harvey se medio arrepentía de dar esa imagen ya que, al final, acababa siendo más machista y equivocada de lo que se pretendía. Porque la imagen que se pretende dar de una cantante o banda de rock (especialmente si es del sexo femenino) acaba siendo un arma de doble filo en donde sólo el talento sobrevive al paso del tiempo.

El principal atractivo de The Runaways es observar la creación de la nada de un artificio que, en esta ocasión, toma la imagen de un grupo de rock. Y no se queda ahí la cosa sino que la banda en cuestión está formada por unas chicas adolescentes. De la película interesa el moldeamiento artificial y anómalo de unas “niñas” en las nuevas chicas malas dela ciudad. Y en esa labor Floria Sigismondi acierta al darle al film un tono sucio y antipático quitándole cualquier tipo de glamour a la carrera artística de la banda. También es un acierto la recreación de la época, especialmente de todo el mundo underground que rodea a las bandas noveles o de menos caché. La carrera hacia la gloria del grupo The Runaways acaba siendo victima, y a la vez fruto, de una época que pedía arquetipos y parodias de modelos ya conocidos (David Bowie o Iggy Pop, por ejemplo). En realidad lo mismo que en los ochenta, noventa... El mundo cambia menos de lo que parece y los lobos del marketing y el negocio musical siguen teniendo los mismos colmillos afilados.

El lado negativo de The Runaways es que cogen lo peor del marketing. La película acaba siendo demasiado superficial y gustándose de la “decadencia de postal”. Es verdad que es coherente con la idea de la película pero insuficiente para lograr un total interés. Al final el trabajo de los actores quedan en un segundo plano (voluntariosos Dakota Fanning, Kristen Stewart y Michael Shannon que hacen lo que pueden...o les dejan) porque sus personajes, y sus motivaciones, quedan enterradas en la imágenes (poderosas eso si) de Floria Sigsmondi. Si el grupo The Runaways vive de imágenes masculinas tópicas (lolitas rockeras con mala leche) la película acaba padeciendo el mismo mal. The Runaways evita el retrato psicológico tapándolo con dosis de rock, decadencia, sexo (bastante ingenuo) y drogas. El film de Sigismondi es interesante y disfrutable pero se queda a medias de realizar un buen retrato del fascinante y, a veces, vacío mundo de la música.

. Más juguetes rotos (José Arce, La Butaca)

La presencia de dos juguetes mediáticos involuntarios ─más Stewart que Fanning, ya adolescente y alejada de aquella niña prodigio que encadenó un enorme puñado de éxitos hace unos años─ imposibilita una mayor veracidad de la historia que nos cuentan, que no es otra que la de un puñado de niñas que se lanza al abismo de neón con total y absoluto desconocimiento en un cosmos peligroso, sugerente, auténtico, tan alejado de nuestra mortecina y clonada realidad artística que eones parecen separarnos de él

. La música es sólo una excusa (Beatriz Maldivia, Blog de cine)

La fotografía es bonita y la ambientación es un acierto —los parecidos con las auténticas músicas son asombrosos—, pero eso hace que la directora se recree demasiado en estos logros e incluya escenas que simplemente se aprecian por su belleza formal

La ternura de la salvaje insolencia adolescente (Luis M. Álvarez, Lunes de cine en la radio)

Sorprende gratamente encontrarse con un filme tan sincero como inteligente que no intenta manipular al espectador, sino que plantea conflictos y cuestiones sobre la legitimidad de convertir a un grupo de adolescentes en estrellas de rock

Problemas de alta burguesía

- Conocerás al hombre de tus sueños - (Woody Allen, 2010)

Es obvio que al rodar una película todos los años es complicado exigirle a Woody Allen una obra rupturista o incluso definitiva. Quizá Allen ni pueda ni quiera preparar un Zelig o un Delitos y faltas. Por eso la sensación de lugares comunes y situaciones algo forzadas (que, no obstante, a veces se traducen en buenas películas) es lo previsible ante “la última película de Woody Allen”.

Conocerás al hombre de tus sueños no venia con la marca de ver algo nuevo en el mundo de Allen. Es más parece un compendio de todas las ideología y el mundo del director de Nueva York. Infidelidades, parejas en un continuo desequilibrio emocional, coqueteos / ligoteos de maridos con tentaciones en forma de mujer joven... todo eso va surgiendo en Conocerás al hombre de tus sueños. Pero al reves de lo que se pueda pensar la película ni aburre ni deja interesar a pesar de tener una duración bastante generosa (98 min.) Allen consigue que la cantidad de problemas que rodean a los personajes de Conocerás al hombre de tus sueños sean reales y puedas creártela. A veces en el cine de Allen el nivel elitista (y pijo para hablar más claro) de sus criaturas, hacía que te alejaras de unos personajes demasiados pagados de si mismos. En Conocerás al hombre de tus sueños los personajes se vuelven de carne y hueso siendo tan patéticos y perdedores como cualquier persona. Como muestra sirven los personajes de Josh Brolin y Anthony Hopkins (magníficos por otra parte) dando bandazos gracias a una inmadurez bastante ridícula.

Otro punto positivo de Conocerás al hombre de tus sueños es su magnifico reparto. Aunque prácticamente todos los films de Allen tiene un interesante casting en esta ocasión destaca especialmente que todos estén perfectos y adecuados en sus roles (sobresaliendo Brolin) formando un perfecto circulo familiar y social muy creíble. En este Allen nadie sobra, no se ve casi ninguna situación forzada y artificial y la narración va como una seda sin casi tiempos muertos. Aunque Conocerás al hombre de tus sueños no deslumbra ni es redonda tiene el mérito de la solidez. Sin contar nada nuevo ni ser absolutamente brillante Woody Allen ha logrado hacer una interesante obra pesimista (de soslayo, aparece la crisis económica mundial en la película)  donde enseña que haga lo que haga el ser humano, al final, siempre tiende al desastre.

. Placebos y autoengaños (Jordi Costa, El País)

El resultado es una película en la que el viejo Allen vuelve a ser sorprendentemente joven, una obra que parece no ahondar en nada mientras lo dice todo sobre la inmadurez -tanto masculina como femenina- que define nuestro presente

. Infinita amargura (Antonio Gandiaga, Notas de cine)

La cinta en ningún momento consigue desprenderse del terrible pesimismo de su autor, lo que termina provocando una sonrisa congelada, una amargura infinita

. Allen fans won’t be disappointed with this latest confection (Pete Hammond, Boxoffice Magazine)

Allen sets this table with a group of people of various ages and desires who just can't seem to get emotional satisfaction with their current partners. Problem is, the new love arenas they dabble in will only bring a new kind of heartbreak. The audience is certainly in on Allen's wicked joke, even if the characters aren't themselves